Liliane Vertessen au box de Zwart Huis

Gepubliceerd op: 25 April 2019

“Je pense que j’ai plus de testostérones que beaucoup d’hommes.” Les mots de Liliane Vertessen sont bien pesés. Sa présentation solo en rouge et noir à Zwart Huis dans la section ‘Rediscovery’ montre des œuvres qui l’ont rendue célèbre dans les années 80 : des autoportraits sexy où elle apparaît enveloppée dans un néon avec le mot ‘lust’ ou ‘punk’, mais aussi une sculpture miroir intitulée ‘See and think about it’. Des œuvres témoignant d’un certain esprit critique et d’une bonne dose d’énergie.  

Christine VUEGEN 

Le public international, en particulier les jeunes générations, a sans doute oublié sa pratique artistique d’avant-garde. Liliane Vertessen (°1952, Leopoldsburg, vit à Heusden-Zolder) raconte dans le catalogue de ‘A Love Supreme’, la grande exposition que lui a consacrée le Musée de la Photographie de Charleroi l’année dernière, comment tout a commencé à l’enfance et évoque ses apparitions de chanteuse et musicienne dans le groupe ‘The Tweeters’. Ses tenues très spéciales, parfois cousues par ses soins, ne sont pas réservées à la scène et elle les arbore aussi au quotidien. Elle produisait depuis les années 70 des œuvres d’art avec des photos d’elle-même, avant même Cindy Sherman, avec qui elle exposa en 1987. Elle imprimait des photos anciennes sur papier très coloré, et ultérieurement sur émail. Son œuvre ne se réduit pas à cela, mais il faut noter qu’elle ajoute quelque chose aux expositions de groupe avec Gilbert & George, Claude Cahun, Marina Abramović, Orlan, Elke Krystufek, l’ancienne et la récente vague féministe ou des rebelles qui font trembler l’univers de l’art sur ses fondations. 

‘Lust’ (1981) tourne en dérision la vision stéréotypée de la femme, mais aussi de l’homme. C’est une photo de vous-même derrière une fenêtre à demi-occultée par un néon rouge. Le personnage entre les lettres du mot ‘lust’ portant un ours en peluche blanc et faisant la moue semble apathique, outragée et vulnérable… 

Liliane Vertessen: “Il faut la replacer dans le contexte des années 80. Je ressentais bel et bien l’énergie, le désir, mais je ne voulais pas en faire des tonnes (rit). L’image est encore plus ambiguë lorsque le néon est allumé. J’essaie toujours de donner à mes photos plusieurs niveaux de lecture. Tout le monde voit quelque chose d’autre, donc à chacun son interprétation. C’est à chaque fois une découverte de ce qu’il y a en moi. C’est pourquoi que j’ai commencé à me prendre en photo. J’en avais besoin pour échapper à l’étroitesse de mon univers. C’est plus facile de trouver des gens qui vous ressemblent dans une grande ville comme New York. J’ai toujours été différente, dès mon jeune âge. Une femme du quartier m’appelait même ‘lelijke Janneke’ (‘Janneke la laide’) au lieu de Liliane. Je me suis donc mise à rechercher cette laideur dans le miroir. Je passais beaucoup de temps devant la glace, mais jamais par narcissisme.” 

‘See and think about it’ (1988) est une sculpture rouge et noire avec un miroir, des symboles nazis et deux petites photos de vous-même avec un képi allemand et un missile antitank. Qu’est-ce qui vous amène à produire cette pièce ?  

Vertessen: “J’étais alors consciente du pouvoir des musées et des galeries, du commerce de l’art et des abus de pouvoir. Les artistes étaient exploités et ce qu’ils voulaient ne comptait pas. L’idée de cette œuvre, c’est de dire aux commissaires d’exposition, aux directeurs de musées, aux galeristes, aux critiques : regardez dans le miroir et réfléchissez bien. Il y est question de pouvoir, d’abus de pouvoir, de la prétention d’hommes et de femmes qui se croient habilités à rejeter les jeunes talents, à leur refuser leur crédit. Elle a même été accrochée dans le musée de Jan Hoet à Gand. Je ne sais pas s’il savait pourquoi je l’avais créée. Mais c’était fantastique qu’il me laisse exposer aux côtés de Wim Delvoye et Pjeroo Roobjee. J’avais à l’époque acheté un vieil avion pour un très bon prix et il y avait notamment une sculpture avec un missile Entac, celui que je tiens dans les mains sur la photo. Tout est pour moi question d’énergie, de force, de pouvoir, d’émotionnalité. C’est pourquoi je disais tout à l’heure que j’ai plus de testostérones que certains hommes.” 

‘Je est un autre’, la fameuse phrase de Rimbaud, me vient à l’esprit. Vous apparaissez dans vos œuvres sous toutes sortes d’aspects, de l’ingénue à la diva hollywoodienne et il ne s’agit pas d’un jeu de rôles. Vous voilà maintenant en maîtresse SM et pilote de chasse. Pourquoi ? 

Vertessen: “C’est difficile de ne pas être commercial à Art Brussels. Je me suis dit que je ne visais pas la vente. Je vais montrer ma force féminine et le pouvoir face à l’abus de pouvoir. Je ne cherche pas à plaire au public. Si j’utilise une photo, elle ne doit pas être flatteuse. Une photo ratée peut avoir plus de puissance car on peut y ajouter quelque chose. Dans les années 60, j’entourais les cadres de peluche et j’utilisais des plumes. C’est comme ça que j’ai commencé. Je voulais déjà travailler hors du cadre et c’est toujours le cas. Je veux continuer à m’étonner moi-même de ce que je fais. Si vous posez des questions, je commence à parler, mais je trouve encore plus fort de mettre ce que je pense dans une image, une image compacte et de la lancer comme on lance une bombe.” 

Praktische Info

Liliane Vertessen au stand de la galerie Zwart Huis, Art Brussels box E03 

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“Je pense que j’ai plus de testostérones que beaucoup d’hommes.” Les mots de Liliane Vertessen sont bien pesés. Sa présentation solo en rouge et noir à Zwart Huis dans la section ‘Rediscovery’ montre des œuvres qui l’ont rendue célèbre dans les années 80 : des autoportraits sexy où elle apparaît enveloppée dans un néon avec le mot ‘lust’ ou ‘punk’, mais aussi une sculpture miroir intitulée ‘See and think about it’. Des œuvres témoignant d’un certain esprit critique et d’une bonne dose d’énergie.  

Christine VUEGEN 

Le public international, en particulier les jeunes générations, a sans doute oublié sa pratique artistique d’avant-garde. Liliane Vertessen (°1952, Leopoldsburg, vit à Heusden-Zolder) raconte dans le catalogue de ‘A Love Supreme’, la grande exposition que lui a consacrée le Musée de la Photographie de Charleroi l’année dernière, comment tout a commencé à l’enfance et évoque ses apparitions de chanteuse et musicienne dans le groupe ‘The Tweeters’. Ses tenues très spéciales, parfois cousues par ses soins, ne sont pas réservées à la scène et elle les arbore aussi au quotidien. Elle produisait depuis les années 70 des œuvres d’art avec des photos d’elle-même, avant même Cindy Sherman, avec qui elle exposa en 1987. Elle imprimait des photos anciennes sur papier très coloré, et ultérieurement sur émail. Son œuvre ne se réduit pas à cela, mais il faut noter qu’elle ajoute quelque chose aux expositions de groupe avec Gilbert & George, Claude Cahun, Marina Abramović, Orlan, Elke Krystufek, l’ancienne et la récente vague féministe ou des rebelles qui font trembler l’univers de l’art sur ses fondations. 

‘Lust’ (1981) tourne en dérision la vision stéréotypée de la femme, mais aussi de l’homme. C’est une photo de vous-même derrière une fenêtre à demi-occultée par un néon rouge. Le personnage entre les lettres du mot ‘lust’ portant un ours en peluche blanc et faisant la moue semble apathique, outragée et vulnérable… 

Liliane Vertessen: “Il faut la replacer dans le contexte des années 80. Je ressentais bel et bien l’énergie, le désir, mais je ne voulais pas en faire des tonnes (rit). L’image est encore plus ambiguë lorsque le néon est allumé. J’essaie toujours de donner à mes photos plusieurs niveaux de lecture. Tout le monde voit quelque chose d’autre, donc à chacun son interprétation. C’est à chaque fois une découverte de ce qu’il y a en moi. C’est pourquoi que j’ai commencé à me prendre en photo. J’en avais besoin pour échapper à l’étroitesse de mon univers. C’est plus facile de trouver des gens qui vous ressemblent dans une grande ville comme New York. J’ai toujours été différente, dès mon jeune âge. Une femme du quartier m’appelait même ‘lelijke Janneke’ (‘Janneke la laide’) au lieu de Liliane. Je me suis donc mise à rechercher cette laideur dans le miroir. Je passais beaucoup de temps devant la glace, mais jamais par narcissisme.” 

‘See and think about it’ (1988) est une sculpture rouge et noire avec un miroir, des symboles nazis et deux petites photos de vous-même avec un képi allemand et un missile antitank. Qu’est-ce qui vous amène à produire cette pièce ?  

Vertessen: “J’étais alors consciente du pouvoir des musées et des galeries, du commerce de l’art et des abus de pouvoir. Les artistes étaient exploités et ce qu’ils voulaient ne comptait pas. L’idée de cette œuvre, c’est de dire aux commissaires d’exposition, aux directeurs de musées, aux galeristes, aux critiques : regardez dans le miroir et réfléchissez bien. Il y est question de pouvoir, d’abus de pouvoir, de la prétention d’hommes et de femmes qui se croient habilités à rejeter les jeunes talents, à leur refuser leur crédit. Elle a même été accrochée dans le musée de Jan Hoet à Gand. Je ne sais pas s’il savait pourquoi je l’avais créée. Mais c’était fantastique qu’il me laisse exposer aux côtés de Wim Delvoye et Pjeroo Roobjee. J’avais à l’époque acheté un vieil avion pour un très bon prix et il y avait notamment une sculpture avec un missile Entac, celui que je tiens dans les mains sur la photo. Tout est pour moi question d’énergie, de force, de pouvoir, d’émotionnalité. C’est pourquoi je disais tout à l’heure que j’ai plus de testostérones que certains hommes.” 

‘Je est un autre’, la fameuse phrase de Rimbaud, me vient à l’esprit. Vous apparaissez dans vos œuvres sous toutes sortes d’aspects, de l’ingénue à la diva hollywoodienne et il ne s’agit pas d’un jeu de rôles. Vous voilà maintenant en maîtresse SM et pilote de chasse. Pourquoi ? 

Vertessen: “C’est difficile de ne pas être commercial à Art Brussels. Je me suis dit que je ne visais pas la vente. Je vais montrer ma force féminine et le pouvoir face à l’abus de pouvoir. Je ne cherche pas à plaire au public. Si j’utilise une photo, elle ne doit pas être flatteuse. Une photo ratée peut avoir plus de puissance car on peut y ajouter quelque chose. Dans les années 60, j’entourais les cadres de peluche et j’utilisais des plumes. C’est comme ça que j’ai commencé. Je voulais déjà travailler hors du cadre et c’est toujours le cas. Je veux continuer à m’étonner moi-même de ce que je fais. Si vous posez des questions, je commence à parler, mais je trouve encore plus fort de mettre ce que je pense dans une image, une image compacte et de la lancer comme on lance une bombe.” 

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Liliane Vertessen au stand de la galerie Zwart Huis, Art Brussels box E03 

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‘I want to entangle the viewer in the densities of the jungle’ 

The artistic practice of Daniel Steegman Mangrané (°1977, Barcelona, lives and works in Rio de Janeiro) is pervaded by a fascination for nature and the tropical rainforest in particular. In various media, such as installations, films, drawings and holograms, the artist posits that the dichotomy between for example culture and nature is artificial, and that everything is mutually cohesive. H ART asked the artist a few questions via email about his work and the presentation in the booth of Mendes Woods, a gallery with locations in São Paulo, Brussels and New York. 

Anne-Marie POELS 

As a child you wanted to become a biologist. And that same fascination now inspires your artistic practice. Can you tell something about how that has evolved? 

Daniel Steegman Mangrané: “I have always been fascinated by biology and more recently by ecology. Ecology is the branch of biology that studies the total and complete interdependency of all phenomena, be they living forms or otherwise. Ecology is not about sustainable development; it is about coming to understand that we are not above but among the rest of the things that compose the world.” 

You combine elements with each other that initially don't seem to have much in common: sleek geometric figures, with the organic forms of nature. This emphasizes the dichotomy between culture and nature, the artificial and the natural. Why do you choose this form to represent that dichotomy? 

Steegman Mangrané: “We are used to understanding the world through a system of oppositions like mind and body, subjects and objects, culture and nature … This system is so embedded in our thinking processes, and sustains our understanding of the world to such an extent that we have come to believe those divisions are true.” 

“Using simple geometric forms working in an organic way or revealing the stark geometries of nature is a way to show how all those divisions are just artificial constructs, simplistic ways of understanding the world that we should rid ourselves of as soon as possible.” 

Your bio on the Mendes Woods website mentions your ‘subtle yet crude experiments that question the relationship between language and the world’. How should that be understood? 

Steegman Mangrané: “It refers to the simple, direct way I make my works. I believe that the pieces should be worked just to the point where their idea becomes clear – anything else is overworking. And the idea is how we represent the world to ourselves and where we place ourselves in it. The dichotomies I mentioned are extremely hierarchical: our western traditions places mind above body, culture above nature, subjects above objects, human above the non-human, and I don’t think things are like that … I don’t believe we are above our environment. We are in it, we are part of it, and it is part of us. There’s no clear division.” 

At Art Brussels you present an immersive installation with a metal curtain – why choose such a not-so-natural element? 

Steegman Mangrané: “The curtain literally entangles the body of the visitors while isolating them and creating a space of reflection and engagement. The rainforest has for a long time been a source of fascination, study and inspiration for my work. In the small space enclosed by the curtain I wish to share some of this fascination and entangle the viewer in the densities of the jungle.” 

Can you tell something about the photographs you will be showing? 

Steegman Mangrané: “I will be presenting some ‘Invisible Structures’, photos of the rainforest over which I paint some delicate geometric structures, exactly in the hues of their backgrounds – they appear and disappear as your eye skims the surface of the image or as you move in front of the work.” 

“There will also be some leaves with golden geometric drawings and one or two split branches. The leaves are from species that are important for the Indians for different reasons: there are plants that are important for subsistence, such as the Bread-fruit trees or the Mandioca root. There are also poisonous plants that can be used for hunting or for medicinal treatments as the Gravatá. You even have plants that are related to specific legends or histories as the Pé de Boi, or others that have a ritualistic use as the red Urucum seeds. The economic, medical, poetic or religious sides of life blend together through the golden drawings made on the leaves – gold also being a material related to the occidental projections about the rainforest.” 

“In a broader sense, all the works combined in the presentation continue the investigation into geometry and materiality that fascinates me. In this case I am creating a mixture of opposite materials in terms of status, whilst questioning topological ideas of surface, form, objecthood and drawing.” 

What is your feeling about art fairs like Art Brussels? 

Steegman Mangrané: “I think that art fairs will need to evolve, or they will collapse. They should think about how to do a better job building stronger professional ties and to think less about immediate sales. There’s a very specific kind of artwork that is successful in fairs, but most of the practices – the most interesting ones – suffer a lot … Fairs are an important source of revenue for some galleries but many – if not most – struggle to cover the costs … There are too many fairs and they are distracting the gallerists from their daily work in their galleries and with their artists … It’s a very complex question that seems to be in a deadlock, but I know many people are seriously thinking about finding a way out.” 

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Daniel Steegman Mangrané at Mendes Woods, Art Brussels booth C38 

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Measuring a space with one’s footsteps, and immortalising that walk in cement or plaster, sweeping clean the entire gutter of 5th Avenue with a dustpan and brush, or walking along the boundary of the outskirts of Brussels dressed in a costume in the colours of the Belgian flag: these are just a few of the performances Ištvan Išt Huzjan (°1981, Ljubljana, Slovenia, lives and works in Brussels and Ljubljana) has carried out to date. On the occasion of his solo presentation in the Mexican gallery  PROYECTOSMONCLOVA, we sought out the artist in the centre of Brussels.  

Anne-Marie POELS 

Ištvan Išt Huzjan is busy: late February he was awarded the Opening Award, the prize for best solo exhibition at ARCO Madrid, and when we catch up with him he is doing colour tests for his next exhibition at Gaep in Bucharest, after which he is due to return to Brussels for his presentation at Art Brussels. 

Your work is grounded in performance art.  

Ištvan Išt Huzjan: “Yes, that allows me to position myself in relation to a historical context. For an exhibition at James Gallery on 5th Avenue in NYC, for instance, I completely cleaned the gutter of that avenue in ‘Daily Chores on 5th Avenue’. Among the places I passed was the museum mile; I cleaned up in front of the MET and the Guggenheim, MoMA, the New York Public Library, Trump Tower – Trump had just taken the oath two weeks earlier –, the Empire State Building, Washington Square Park where all the minimalists used to live... I was passing close to all this history, and in so doing I positioned myself in relation to all that history too. And in so doing I am also referring to other artists who already put forward cleaning as a performative act, like Mierle Laderman Ukeles who cleaned the museum floor, or Marina Abramovic who scrubbed bones.” 

 

But it’s not just the performances.  

Huzjan: “No, I process them in three ways. I document them in a series that I call ‘Photograph and text’. Those photographs are always black and white, because in that way they automatically refer to something that happened in the past, and obtain a certain uniformity that makes them resemble each other more. And the text describes what happened. I additionally make a series of books that are called ‘Mera’ or ‘Measuring’ – because in those performances I am actually taking measurements. And for the rest I collect objects during the performances, which I later incorporate into sculptures. For example, a stick that I used as a walking stick and that I later recast in plaster with a mould.” 

Those walks, or the other performances, what drives you to do those? 

Huzjan: “All the ideas for my performances come from daily activities. We all do cleaning, all of us pay visits sometimes, we all fold up our socks once we have washed and dried them... If such an activity has a performative character and I see an artistic value in them, I will adopt it. But when I do a performance somewhere, I always take the broader political and historical context into account, as I did in NY. Or, last year, during A Performance Affair in Brussels, where I wandered along the regional boundary that makes Brussels into a kind of enclave in Flanders, dressed in a costume in the colours of the Belgian flag: that walk not only referred to the situation in Brussels itself, but also to my personal history in Ljubljana. During WWII that city was sealed off from the outside world by the Italians, because there were many partisans there. Each year on liberation day the inhabitants walk along a path that encircles the city to remember that history – I grew up with that.” 

What is your solo at Art Brussels going to look like?  

Huzjan: “At the fair I will be showing the third Mera, ‘Thank you all for coming’. That was a performance I did during my solo show ‘From metric to imperial’ in PROYECTOSMONCLOVA in Mexico-City. Because it was my first exhibition in Central America, I wanted to introduce myself during the opening by shaking the visitors’ hands – in total I must have shaken about a hundred hands. Tina Javornik photographed all those handshakes close-up and they ended up in the book. Purely visually, a kind of horizon occurs – the line as visual element does recur a lot in my work.  The 92 photographs are presented on the walls in three rows – of which the middle one is at my own eye-level. The book is just like ‘I. Mera’ and ‘II. Mera’, and will be laid on three tables that I have designed: they have slanting tabletops that are positioned in such a way that the public can have some privacy and can move around them.” 

You spoke of that horizon line, the visual aspect of the work. But there was also a conceptual context.   

Huzjan: “In ‘From metric to imperial’ in Mexico-City I was dealing with the shaking of hands and the horizon.  That was at a moment in time – we had already entered the era of the Trump administration – during which a heated discussion was underway between Mexico and the US (about the building of the wall and migrant access, amp). I am in other words making reference to a political situation.” 

A fair is a very specific environment. Are you able to sufficiently convey there what is happening during such a performance?    

Huzjan: “It helps of course that I have a solo show. In a group presentation -of the kind that is usually seen in an normal booth – the public is far less prone to be absorbed by work of this kind. But the beautiful thing about exhibiting at a fair – and people rarely speak about this – is that you have someone there, permanently, for a few days, who can explain everything to you.” 

“With this kind of presentation it is not my intention to question the fair format. We did that with Artists Club Coffre-Fort (an artists’ initiative that Huzjan founded together with Thibaut Espiau and Gregoire Motte, amp). In my opinion, good or bad places for art do not exist: sometimes a work can come entirely into its own at a fair, and sometimes a fair can be detrimental to it – but the same holds true for any art space; an artwork can also be ‘destroyed’ in a museum. It is simply a matter of keeping in mind for which type of space you are making your work.” 

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Ištvan Išt Huzjan at PROYECTOSMONCLOVA, Art Brussels booth C.20 

Book signing on Sun. 28 April at 2PM, Art Brussels booths C20/22 

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