Daniel Steegman Mangrané at Mendes Woods

Gepubliceerd op: 25 April 2019

‘I want to entangle the viewer in the densities of the jungle’ 

The artistic practice of Daniel Steegman Mangrané (°1977, Barcelona, lives and works in Rio de Janeiro) is pervaded by a fascination for nature and the tropical rainforest in particular. In various media, such as installations, films, drawings and holograms, the artist posits that the dichotomy between for example culture and nature is artificial, and that everything is mutually cohesive. H ART asked the artist a few questions via email about his work and the presentation in the booth of Mendes Woods, a gallery with locations in São Paulo, Brussels and New York. 

Anne-Marie POELS 

As a child you wanted to become a biologist. And that same fascination now inspires your artistic practice. Can you tell something about how that has evolved? 

Daniel Steegman Mangrané: “I have always been fascinated by biology and more recently by ecology. Ecology is the branch of biology that studies the total and complete interdependency of all phenomena, be they living forms or otherwise. Ecology is not about sustainable development; it is about coming to understand that we are not above but among the rest of the things that compose the world.” 

You combine elements with each other that initially don't seem to have much in common: sleek geometric figures, with the organic forms of nature. This emphasizes the dichotomy between culture and nature, the artificial and the natural. Why do you choose this form to represent that dichotomy? 

Steegman Mangrané: “We are used to understanding the world through a system of oppositions like mind and body, subjects and objects, culture and nature … This system is so embedded in our thinking processes, and sustains our understanding of the world to such an extent that we have come to believe those divisions are true.” 

“Using simple geometric forms working in an organic way or revealing the stark geometries of nature is a way to show how all those divisions are just artificial constructs, simplistic ways of understanding the world that we should rid ourselves of as soon as possible.” 

Your bio on the Mendes Woods website mentions your ‘subtle yet crude experiments that question the relationship between language and the world’. How should that be understood? 

Steegman Mangrané: “It refers to the simple, direct way I make my works. I believe that the pieces should be worked just to the point where their idea becomes clear – anything else is overworking. And the idea is how we represent the world to ourselves and where we place ourselves in it. The dichotomies I mentioned are extremely hierarchical: our western traditions places mind above body, culture above nature, subjects above objects, human above the non-human, and I don’t think things are like that … I don’t believe we are above our environment. We are in it, we are part of it, and it is part of us. There’s no clear division.” 

At Art Brussels you present an immersive installation with a metal curtain – why choose such a not-so-natural element? 

Steegman Mangrané: “The curtain literally entangles the body of the visitors while isolating them and creating a space of reflection and engagement. The rainforest has for a long time been a source of fascination, study and inspiration for my work. In the small space enclosed by the curtain I wish to share some of this fascination and entangle the viewer in the densities of the jungle.” 

Can you tell something about the photographs you will be showing? 

Steegman Mangrané: “I will be presenting some ‘Invisible Structures’, photos of the rainforest over which I paint some delicate geometric structures, exactly in the hues of their backgrounds – they appear and disappear as your eye skims the surface of the image or as you move in front of the work.” 

“There will also be some leaves with golden geometric drawings and one or two split branches. The leaves are from species that are important for the Indians for different reasons: there are plants that are important for subsistence, such as the Bread-fruit trees or the Mandioca root. There are also poisonous plants that can be used for hunting or for medicinal treatments as the Gravatá. You even have plants that are related to specific legends or histories as the Pé de Boi, or others that have a ritualistic use as the red Urucum seeds. The economic, medical, poetic or religious sides of life blend together through the golden drawings made on the leaves – gold also being a material related to the occidental projections about the rainforest.” 

“In a broader sense, all the works combined in the presentation continue the investigation into geometry and materiality that fascinates me. In this case I am creating a mixture of opposite materials in terms of status, whilst questioning topological ideas of surface, form, objecthood and drawing.” 

What is your feeling about art fairs like Art Brussels? 

Steegman Mangrané: “I think that art fairs will need to evolve, or they will collapse. They should think about how to do a better job building stronger professional ties and to think less about immediate sales. There’s a very specific kind of artwork that is successful in fairs, but most of the practices – the most interesting ones – suffer a lot … Fairs are an important source of revenue for some galleries but many – if not most – struggle to cover the costs … There are too many fairs and they are distracting the gallerists from their daily work in their galleries and with their artists … It’s a very complex question that seems to be in a deadlock, but I know many people are seriously thinking about finding a way out.” 

Fotogalerij

Praktische Info

Daniel Steegman Mangrané at Mendes Woods, Art Brussels booth C38 

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‘I want to entangle the viewer in the densities of the jungle’ 

The artistic practice of Daniel Steegman Mangrané (°1977, Barcelona, lives and works in Rio de Janeiro) is pervaded by a fascination for nature and the tropical rainforest in particular. In various media, such as installations, films, drawings and holograms, the artist posits that the dichotomy between for example culture and nature is artificial, and that everything is mutually cohesive. H ART asked the artist a few questions via email about his work and the presentation in the booth of Mendes Woods, a gallery with locations in São Paulo, Brussels and New York. 

Anne-Marie POELS 

As a child you wanted to become a biologist. And that same fascination now inspires your artistic practice. Can you tell something about how that has evolved? 

Daniel Steegman Mangrané: “I have always been fascinated by biology and more recently by ecology. Ecology is the branch of biology that studies the total and complete interdependency of all phenomena, be they living forms or otherwise. Ecology is not about sustainable development; it is about coming to understand that we are not above but among the rest of the things that compose the world.” 

You combine elements with each other that initially don't seem to have much in common: sleek geometric figures, with the organic forms of nature. This emphasizes the dichotomy between culture and nature, the artificial and the natural. Why do you choose this form to represent that dichotomy? 

Steegman Mangrané: “We are used to understanding the world through a system of oppositions like mind and body, subjects and objects, culture and nature … This system is so embedded in our thinking processes, and sustains our understanding of the world to such an extent that we have come to believe those divisions are true.” 

“Using simple geometric forms working in an organic way or revealing the stark geometries of nature is a way to show how all those divisions are just artificial constructs, simplistic ways of understanding the world that we should rid ourselves of as soon as possible.” 

Your bio on the Mendes Woods website mentions your ‘subtle yet crude experiments that question the relationship between language and the world’. How should that be understood? 

Steegman Mangrané: “It refers to the simple, direct way I make my works. I believe that the pieces should be worked just to the point where their idea becomes clear – anything else is overworking. And the idea is how we represent the world to ourselves and where we place ourselves in it. The dichotomies I mentioned are extremely hierarchical: our western traditions places mind above body, culture above nature, subjects above objects, human above the non-human, and I don’t think things are like that … I don’t believe we are above our environment. We are in it, we are part of it, and it is part of us. There’s no clear division.” 

At Art Brussels you present an immersive installation with a metal curtain – why choose such a not-so-natural element? 

Steegman Mangrané: “The curtain literally entangles the body of the visitors while isolating them and creating a space of reflection and engagement. The rainforest has for a long time been a source of fascination, study and inspiration for my work. In the small space enclosed by the curtain I wish to share some of this fascination and entangle the viewer in the densities of the jungle.” 

Can you tell something about the photographs you will be showing? 

Steegman Mangrané: “I will be presenting some ‘Invisible Structures’, photos of the rainforest over which I paint some delicate geometric structures, exactly in the hues of their backgrounds – they appear and disappear as your eye skims the surface of the image or as you move in front of the work.” 

“There will also be some leaves with golden geometric drawings and one or two split branches. The leaves are from species that are important for the Indians for different reasons: there are plants that are important for subsistence, such as the Bread-fruit trees or the Mandioca root. There are also poisonous plants that can be used for hunting or for medicinal treatments as the Gravatá. You even have plants that are related to specific legends or histories as the Pé de Boi, or others that have a ritualistic use as the red Urucum seeds. The economic, medical, poetic or religious sides of life blend together through the golden drawings made on the leaves – gold also being a material related to the occidental projections about the rainforest.” 

“In a broader sense, all the works combined in the presentation continue the investigation into geometry and materiality that fascinates me. In this case I am creating a mixture of opposite materials in terms of status, whilst questioning topological ideas of surface, form, objecthood and drawing.” 

What is your feeling about art fairs like Art Brussels? 

Steegman Mangrané: “I think that art fairs will need to evolve, or they will collapse. They should think about how to do a better job building stronger professional ties and to think less about immediate sales. There’s a very specific kind of artwork that is successful in fairs, but most of the practices – the most interesting ones – suffer a lot … Fairs are an important source of revenue for some galleries but many – if not most – struggle to cover the costs … There are too many fairs and they are distracting the gallerists from their daily work in their galleries and with their artists … It’s a very complex question that seems to be in a deadlock, but I know many people are seriously thinking about finding a way out.” 

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Daniel Steegman Mangrané at Mendes Woods, Art Brussels booth C38 

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‘On ne peut plus s’accrocher à l’ancien modèle’

Renos Xippas est une figure connue sur le marché de l’art. Il a des galeries à Paris, Genève et en Uruguay et représente des artistes comme Takis, Vik Muniz et Céleste Boursier-Mougenot. Albert Baronian est lui aussi un phénomène. Il fut longtemps président de Art Brussels et représente aujourd’hui des plasticiens comme Gilbert & George, Tony Oursler et Gilberto Zorio. L’un et l’autre ont récemment décidé de faire cause commune avec leur galerie bruxelloise Xippas/Baronian. Nous réunissons ces deux congénères rompus au commerce de l’art pour un entretien sur l’évolution des foires et des galeries, l’importance des foires régionales et les réseaux sociaux.

Sam STEVERLYNCK

Il n’y avait pas autant de foires d’art contemporain à vos débuts. On en compte actuellement près de 250 dans le monde. Que pensez-vous de cette évolution ?

Renos Xippas: “Mon oncle Alexander Iolas (légendaire galeriste qui représenta notamment Andy Warhol et René Magritte à New York, ndlr) fit la grimace lorsqu’on lui proposa de participer à une foire d’art au début des années 70. Il montait alors des expositions d’œuvres de Magritte, Ernst et Tinguely et passait des heures à la mise en scène et à l’éclairage. L’idée d’exposer leurs œuvres dans les box d’un grand hall lui répugnait. Les foires lui faisaient penser à un marché aux puces, avec leurs murs blancs et leurs moquettes sales. Les foires d’art ont pris depuis lors un tout autre aspect. On a appris au fil des ans à soigner la scénographie, comme l’aurait fait mon oncle.”

Albert Baronian: “Les galeries reçoivent toujours moins de visiteurs. La plupart des gens n’ont plus le temps d’entrer dans les galeries. Je connais des collectionneurs qui ne fréquentent que les foires. Beaucoup de galeries vivent donc des foires. C’était au début un lieu de promotion des jeunes artistes intéressants, mais c’est de moins en moins le cas. On constate que les dix plus grandes galeries au monde monopolisent la partie centrale des foires. Les autres doivent se contenter de la périphérie. Les foires sont aussi de plus en plus coûteuses. Ce n’est donc pas évident d’y participer pour les jeunes galeries.”

Une étude de l’UBS et Art Basel montre pourtant que les foires prennent de plus en plus d’importance. On constate aussi que les galeristes sont très demandeurs…

Xippas: “Plus une foire est importante, plus elle intéresse les galeries. Si vous allez à Hong-Kong ou Shanghai, vous y verrez les mêmes grandes galeries, avec en périphérie les galeries locales. Le nombre de foires parmi lesquels choisir est hallucinant. Il vaut mieux participer à une foire locale où on connaît déjà votre galerie et vos artistes. J’ai récemment participé à la foire de Punta del Este en Uruguay. J’y exposais des plasticiens connus du public argentin, brésilien et uruguayen. Et bien j’y ai fait de meilleures ventes qu’à la Fiac de Paris ou sur d’autres grandes foires !”

Baronian: “Je crois de plus en plus aux foires de proximité, comme Art Düsseldorf. Si vous allez à Art Dubaï, vous aurez peut-être la chance de vendre une œuvre à un Sheikh, mais vous ne le reverrez jamais plus. Et puis il y a le problème du transport. Dans les foires régionales, vous retrouvez des clients, vous pouvez les inviter à un vernissage ou un dîner. Je ne vois pas l’intérêt d’aller à Hong-Kong ou ailleurs. Il y a encore beaucoup à faire ici, avec toute une génération à intéresser à l’art contemporain.”

Renos, vous auriez aussi bien pu ouvrir une galerie ailleurs. Qu’est-ce qui vous plaît tant à Bruxelles?

Xippas: “Chaque ville où j’ai une galerie a un lien avec ma vie privée. J’avais de bons contacts à Genève et c’est donc là que j’ai commencé, plutôt qu’à Zurich ou Bâle, où le marché est plus grand. J’ai vécu deux ans en Uruguay. L’espagnol est ma langue maternelle. Il allait donc de soi d’y ouvrir une galerie. En ce qui concerne la Belgique, c’est un cliché, mais j’aime bien les Belges. J’ai beaucoup d’amis ici. Les gens ne se prennent pas au sérieux et ont des moyens. Vous avez d’abord vu ici une première vague de galeries françaises, mais elles ont plié bagage. Le marché n’était pas encore mûr. Vous avez maintenant des galeries du monde entier qui ont ouvert ici une antenne : de France, d’Amérique, même du Brésil (comme Mendes Wood DM, ndlr). Bruxelles est une ville internationale très ouverte et sans complexe. Il y a place pour tout le monde ici et vous avez beaucoup de bonnes galeries, mais pas des mastodontes comme Hauser & Wirth ou White Cube.”

Comment décririez-vous votre collaboration ?

Xippas: “C’est une collaboration d’égal à égal. C’est une galerie nouvelle et nous travaillons ensemble parce que nous avons beaucoup d’affinités. Nous avons les mêmes goûts. Nous gardons des artistes représentés par Albert, et y ajoutons quelques-uns des miens. Nous allons aussi donner un face lift architectural à l’espace d’exposition.”

Albert Baronian a eu longtemps la réputation d’une galerie de l’arte povera. Comment décririez-vous le programme de votre nouvelle galerie ?

Baronian: “Nous optons pour une galerie pluraliste et éclectique. J’ai en effet fait beaucoup d’arte povera à mes débuts. Je représentais autrefois davantage de jeunes plasticiens, pour qui il n’y avait pas place. Mais il y a depuis lors assez de galeries où ils peuvent exposer.”

Xippas: “Nous sommes une galerie établie. Notre exposition d’ouverture est consacrée à Takis et Robert Devriendt. Ce sont des artistes de générations différentes. Takis a 94 ans et a prochainement une grande rétrospective à la Tate de Londres. Nous pouvons faire plus de choses à deux et pouvons exposer des ‘poids lourds’ de l’art. Nous pourrions par exemple organiser une exposition sur Matta. Il y a des artistes d’Albert que j’aimerais bien montrer à Genève ou en Amérique du Sud. La première chose que je veux faire, c’est proposer une exposition Gilbert & George en Argentine. Je ne pourrais pas le faire sans le concours d’Albert. Et peut-être allons-nous montrer Zorio à Paris. Il y a aussi des artistes que je montre normalement à Paris et que nous voulons maintenant présenter à Bruxelles.”

Vous êtes manifestement compatibles. En quoi êtes-vous complémentaires ?

Xippas: “Nous apprenons beaucoup l’un de l’autre. Nous sommes en fait deux grands-pères. On prend ses habitudes à partir d’un certain âge, mais je pensais que la collaboration entre nous serait plus difficile.”

Baronian: “Renos me donne un nouveau souffle. Je voulais ralentir un peu le rythme et je cherchais une autre façon de travailler. J’en ai assez des grandes structures. Je vais avoir 73 ans et je suis galeriste depuis 45 ans. Lorsque Renos m’a proposé cette collaboration, j’ai trouvé que c’était une bonne idée. Tout est plus facile à deux que seul et nous formons une bonne équipe.”

Xippas: “Nous sommes conscients que le secteur est en train de changer. Il y a de nouveaux outils, on utilise de nouveaux modes de communication et d’information. Nous avons une jeune équipe qui est bien formée pour cela. Nous essayons d’assimiler les nouvelles méthodes de travail. On ne peut pas s’accrocher au vieux mode de fonctionnement : lecture des journaux le matin, déjeuner, contrôle du nombre de visiteurs auprès de la secrétaire... Ce système n’a plus cours. Au début des années 90, nous avions encore quelque cinq cents visiteurs le samedi. Ils ne sont plus qu’une trentaine aujourd’hui. Les gens utilisent les réseaux sociaux. Ils ne vont plus dans les galeries, mais dans les foires. Et d’ailleurs il y a davantage d’acheteurs que de collectionneurs de nos jours. L’art est devenu un évènement. Mais je ne pense pas pour autant que c’était mieux avant.”

Baronian: “Je suis davantage de la vieille école. Je préférais la façon dont les choses se faisaient avant. Beaucoup de choses me gênent aujourd’hui. On partageait autrefois une aventure intellectuelle avec des collectionneurs. Notre génération s’instruisait dans les musées d’art. La génération actuelle préfère les foires. On ne m’a jamais demandé pendant mes quinze premières années de galeriste si on fait une plus-value en revendant une œuvre. On me pose la question une fois sur deux de nos jours.”

 

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Takis & Robert Devriendt jusqu’au 18 mai à Baronian Xippas, rue Isidore Verheyden 2, Bruxelles. Ouvert du mardi au samedi de 12 à 18 heures, www.baronianxippas.com

 

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“Je pense que j’ai plus de testostérones que beaucoup d’hommes.” Les mots de Liliane Vertessen sont bien pesés. Sa présentation solo en rouge et noir à Zwart Huis dans la section ‘Rediscovery’ montre des œuvres qui l’ont rendue célèbre dans les années 80 : des autoportraits sexy où elle apparaît enveloppée dans un néon avec le mot ‘lust’ ou ‘punk’, mais aussi une sculpture miroir intitulée ‘See and think about it’. Des œuvres témoignant d’un certain esprit critique et d’une bonne dose d’énergie.  

Christine VUEGEN 

Le public international, en particulier les jeunes générations, a sans doute oublié sa pratique artistique d’avant-garde. Liliane Vertessen (°1952, Leopoldsburg, vit à Heusden-Zolder) raconte dans le catalogue de ‘A Love Supreme’, la grande exposition que lui a consacrée le Musée de la Photographie de Charleroi l’année dernière, comment tout a commencé à l’enfance et évoque ses apparitions de chanteuse et musicienne dans le groupe ‘The Tweeters’. Ses tenues très spéciales, parfois cousues par ses soins, ne sont pas réservées à la scène et elle les arbore aussi au quotidien. Elle produisait depuis les années 70 des œuvres d’art avec des photos d’elle-même, avant même Cindy Sherman, avec qui elle exposa en 1987. Elle imprimait des photos anciennes sur papier très coloré, et ultérieurement sur émail. Son œuvre ne se réduit pas à cela, mais il faut noter qu’elle ajoute quelque chose aux expositions de groupe avec Gilbert & George, Claude Cahun, Marina Abramović, Orlan, Elke Krystufek, l’ancienne et la récente vague féministe ou des rebelles qui font trembler l’univers de l’art sur ses fondations. 

‘Lust’ (1981) tourne en dérision la vision stéréotypée de la femme, mais aussi de l’homme. C’est une photo de vous-même derrière une fenêtre à demi-occultée par un néon rouge. Le personnage entre les lettres du mot ‘lust’ portant un ours en peluche blanc et faisant la moue semble apathique, outragée et vulnérable… 

Liliane Vertessen: “Il faut la replacer dans le contexte des années 80. Je ressentais bel et bien l’énergie, le désir, mais je ne voulais pas en faire des tonnes (rit). L’image est encore plus ambiguë lorsque le néon est allumé. J’essaie toujours de donner à mes photos plusieurs niveaux de lecture. Tout le monde voit quelque chose d’autre, donc à chacun son interprétation. C’est à chaque fois une découverte de ce qu’il y a en moi. C’est pourquoi que j’ai commencé à me prendre en photo. J’en avais besoin pour échapper à l’étroitesse de mon univers. C’est plus facile de trouver des gens qui vous ressemblent dans une grande ville comme New York. J’ai toujours été différente, dès mon jeune âge. Une femme du quartier m’appelait même ‘lelijke Janneke’ (‘Janneke la laide’) au lieu de Liliane. Je me suis donc mise à rechercher cette laideur dans le miroir. Je passais beaucoup de temps devant la glace, mais jamais par narcissisme.” 

‘See and think about it’ (1988) est une sculpture rouge et noire avec un miroir, des symboles nazis et deux petites photos de vous-même avec un képi allemand et un missile antitank. Qu’est-ce qui vous amène à produire cette pièce ?  

Vertessen: “J’étais alors consciente du pouvoir des musées et des galeries, du commerce de l’art et des abus de pouvoir. Les artistes étaient exploités et ce qu’ils voulaient ne comptait pas. L’idée de cette œuvre, c’est de dire aux commissaires d’exposition, aux directeurs de musées, aux galeristes, aux critiques : regardez dans le miroir et réfléchissez bien. Il y est question de pouvoir, d’abus de pouvoir, de la prétention d’hommes et de femmes qui se croient habilités à rejeter les jeunes talents, à leur refuser leur crédit. Elle a même été accrochée dans le musée de Jan Hoet à Gand. Je ne sais pas s’il savait pourquoi je l’avais créée. Mais c’était fantastique qu’il me laisse exposer aux côtés de Wim Delvoye et Pjeroo Roobjee. J’avais à l’époque acheté un vieil avion pour un très bon prix et il y avait notamment une sculpture avec un missile Entac, celui que je tiens dans les mains sur la photo. Tout est pour moi question d’énergie, de force, de pouvoir, d’émotionnalité. C’est pourquoi je disais tout à l’heure que j’ai plus de testostérones que certains hommes.” 

‘Je est un autre’, la fameuse phrase de Rimbaud, me vient à l’esprit. Vous apparaissez dans vos œuvres sous toutes sortes d’aspects, de l’ingénue à la diva hollywoodienne et il ne s’agit pas d’un jeu de rôles. Vous voilà maintenant en maîtresse SM et pilote de chasse. Pourquoi ? 

Vertessen: “C’est difficile de ne pas être commercial à Art Brussels. Je me suis dit que je ne visais pas la vente. Je vais montrer ma force féminine et le pouvoir face à l’abus de pouvoir. Je ne cherche pas à plaire au public. Si j’utilise une photo, elle ne doit pas être flatteuse. Une photo ratée peut avoir plus de puissance car on peut y ajouter quelque chose. Dans les années 60, j’entourais les cadres de peluche et j’utilisais des plumes. C’est comme ça que j’ai commencé. Je voulais déjà travailler hors du cadre et c’est toujours le cas. Je veux continuer à m’étonner moi-même de ce que je fais. Si vous posez des questions, je commence à parler, mais je trouve encore plus fort de mettre ce que je pense dans une image, une image compacte et de la lancer comme on lance une bombe.” 

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Liliane Vertessen au stand de la galerie Zwart Huis, Art Brussels box E03 

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